《艺术与艺术家论》章节试读

《艺术与艺术家论》的笔记-第75页

自从机器发明以来，专业化就被国家经济学家们，视为最理想的工作秩序和正常的生产：以最少的努力，获得最大的结果。每一位作者—劳力或劳心的，都被推向表面的专业化，变成一个今天所谓的“盒子人”（FACHMANN，专家）
科学里的情形更复杂。但基本上是一样的——一个天文学家对梵文没兴趣，就像一个学音乐的，对雕塑毫无兴趣一样。以此建立了许多各式各样的高级学府，制造了彻头彻尾的专家和彻头彻尾没有教养的人，也制造了今天。

《艺术与艺术家论》的笔记-第10页 - 关于形式的问题

如同不要把一个艺术家的形式奉为神明一样，也不要把一个艺术团体的形式当作神明。对任何群体而言，他们的形式是最好的，表达出他们想说的。但不要推论说，这个形式对所有的群体都是最好的。这里也应有最大的自由。每一种形式都有效，也都应视为正确的（艺术的），它是内涵的外现。若不是这样，它便不是自由精神者（白光），而是僵化的障碍（黑魔手）。
我们又得到与上面相同的结果：最重要的不是形式（物质），而是内涵（精神）。
所以，形式可以是舒服的、不舒服的，精致的、粗糙的，等等。但绝对不能因为它有正面的特性而接受它，或因为反面的感觉而否定它，因为这些观念都是相对的。我们从存在过的形式无限转换里，早就了解了。

《艺术与艺术家论》的笔记-第83页 - 绘画基本元素分析

我们可以肯定地说，所有伟大的艺术世界，都有自己时代成熟的艺术理论，到了我们这个时代，还可找到一点蛛丝马迹。

《艺术与艺术家论》的笔记-第186页

原文：客体！不少观众只看到客体，就以为看到了绘画。他认出一匹马、一个花瓶、一把小提琴、一只烟斗，但真正绘画的内涵却漏掉了。如果画家把客体话得不清楚，他就看看标题的提示。观众便很满足，而幻想沉浸在绘画里。
客体有时法尔因此蒙蔽了精神。
这样，绘画和观众之间的桥梁反而变成了一道墙。

《艺术与艺术家论》的笔记-第90页 - 绘画基本元素分析

艺术与自然（或所谓“物体”）的关系不在于，绘画从来没有避免去表现自然或物体，而在于，这两个领域，以类似或相同的方式完成作品，它们应以其样貌，以其结果，以其独立存在的样子被接受。

《艺术与艺术家论》的笔记-第50页

原文：绘画的三个阶段：写实绘画；自然主义绘画（印象派、未来派）；构
成性绘画（纯粹艺术的阶段）；

《艺术与艺术家论》的笔记-关于形式的问题 - 关于形式的问题

形式=个性的标记！所谓的规则，都是扯蛋！艺评是艺术最差劲的敌人！
每个艺术家的精神，便这样反映在形式里。形式是个性的标记。
所有的规则，不管在早期艺术里发现的，或后来发现的，被艺术史家过分夸张它们的重要性；它们不能引导向艺术。如果我知道木匠的规则，我就可以造一张桌子。如果一个木匠懂得画家所谓的规则，却不一定可以创造出一件艺术作品。
人们不该相信，宣称在作品里发现了某个客观错误的理论家(艺术历史家、批评家等)。
理论家唯一可以宣称的是，到现在为止，他还不认识这个媒介的应用方式。而且，理论家借对既存形式的分析，而批评或赞美一件作品，他其实便是可怕的误导者。他在作品及天真的观众之间树了一道墙。
从这观点看(可惜这也是唯一可能的)，艺评是艺术最差劲的敌人。


《艺术与艺术家论》的笔记-第155页

“非现实”世界的梦，和现实世界一样形成这个世界。

《艺术与艺术家论》的笔记-第20页

原文：理论家唯一可宣称的是，到现在为止，他还不认识这个媒介的应用方式。而且，理论家借对既存形式的分析，而批评货赞美一件作品，他其实便是可怕的误导者。他在作品及天真的观众之间树了一道墙。这里，一个批评家应该有诗人的心。因为诗人必须能客观地感觉，并主观地将他的感觉表达出来。也就是说，一个批评家必须具有创造力。但实际上，很多批评家都是一些失意的画家，缺乏创造力，所以强烈地想去依赖他人的创造力。

《艺术与艺术家论》的笔记-第100页

一个艺术家有再怎么强烈或简朴的“梦想”都没有用，如果他的指尖不能精确地达成他的要求的话。他们由于内在需要而画，从不怀疑绘画的未来。当他们谈理论时，他们也绘画性地谈，也就是艺术性地谈。关于，为什么“新艺术潮流”总会被拒绝很容易回答。因为习惯于旧“处方”的眼睛不能立刻接收新发现的“处方”，必须经过一段时间矫治，我可以称此乃“眼睛的保守主义”。最后，我诚挚地忠告传播者和接收者将思想与感觉分开。像世界上任何一种处方，从来不能独自主生产作品一样，它们也不能取代“了解艺术”所必要的感觉。脑袋不是一个坏的组织。但“没有感觉”的头脑，比“没有头脑”的感觉更糟。至少在艺术上如此。物质主义的噩梦还没有过去，它把宇宙性的生活变成毫无目的的低级游戏。一些粗糙的感觉像恐惧、快乐、悲伤等，艺术家已不再感兴趣。现在他们试着要唤起更精致和不可言传的感觉。那些精细的，我们语言也无法传达的感觉和刺激的东西。任何艺术都根植于它所属的时代，但高级的艺术，不但是该世纪的回响或反映，还是有预言未来的力量。“摩登”的人，却缺乏直觉，由于他“聪明”，徒有生活的表面而已，他空荡荡两只脚站在实际生活里，失去和生命本身的接触，于是产生幻灭，因而需要自欺。生动往往来自至少两种感应的并置：元素、色彩、线条、声音、动作……“两个内在的声音”便是构成的起源。我个人以为，色彩的几何性轮廓，比物体轮廓要更具变化，因为物体轮廓比较具有压迫性，而且狭窄，因此只产生一个属于它的感应。而一个与物体无关的“几何”或“自由”轮廓，给人如色彩的感觉，不像物体那么明确。它们自由，有弹性，而且“抽象”。如果一个人开始毫无目的地做东西，结果不是自我崩溃，就是做一些死的东西。时间把人往前推去。但若成长太快，也容易凋谢----没有往下扎根，也无法往上生长。“实际”的现代人，则为机器，为武器和居住机器而屈膝，他养成外在的目光，取笑内在的。一切‘死亡’的东西都战栗了。不只是具有诗意的星星、月亮、树林、花；甚至一团烟灰；街边水洼里一只发亮的纽扣；一块不知所然，被蚂蚁从草丝里咬出来的树皮，一只意识的手，伸向一张日历，连带地把整本日历撕扯下来。所有一切的一切都露给我一张自己的脸，它内在的生命。这些神秘的心灵，经常无声胜有声。所有不管静或动的点，对我也是这般生动，展示给我它们的心灵。这就够使我投入整个生命和感觉，去体会艺术家的可能性，和它的生命。它与今天‘物象的’相反，它是‘抽象的’。如果图画里的线能从用来表示东西的实用目的解放，自己就是东西本身，那么它内在的声音就不会被其他次要的给削弱，反而拥有更饱满的内在力量。对不起，绘画，音乐正是如此，它们使人肉体痛苦。您一定也有过这种经验，当指头在精神上随着声音或色彩“散步”时，突然，像被荆棘刺了一下。而有时，在绘画音乐里“散步”，却像在天鹅绒或丝缎里一般。我曾对学生说：“尽你所能所要去想----这是美丽的习惯！但，就是不要在画架面前想！”同样的，我也愿意把它送给这些寻找“价值标准”而徒然的人，把耳朵转向音乐，把眼睛打开，去看绘画，不要去想。如果要的话，那么听过之后，看过之后，去鉴定它。然后问问你自己，如果要的话，这件作品是否将你“诱”向一个未知的世界？如果是的话，那么，你还要求什么？

《艺术与艺术家论》的笔记-第30页

19世纪是个远离内在创作的时代。专注于物质的表象，或表象的物质面，它必然造成内在创造力的低落，而且似乎已降到最底层了。

《艺术与艺术家论》的笔记-第23页

原文：作曲家阿诺德·勋伯格，他简单有效地应用绘画媒介就是个有趣的例子。他感兴趣的只是这内在声音的规则，毫不在意外在的装饰及美感。最“贫乏”的形，到了他手上，就变得丰富了。

《艺术与艺术家论》的笔记-第117页

原文：迟早会证实，“抽象”艺术不但没有排除和自然的关系，而且比近代任何其它艺术有更强烈的关系。

《艺术与艺术家论》的笔记-第26页 - 关于形式的问题

重要的是，一个形式的产生是否基于内在的需要。
外在的极大相异，会成为内在极大的相同。
一个理想的艺评家是试着去感觉这个那个形式如何发生作用，并将这整体经验有效地传递给观众。一个批评家应该有诗人之心，必须具有创造力。
当远离外在的实用性时，内在的声音就更强烈。
对作品应该提问：艺术家在这里传达的是他什么内在的愿望？

《艺术与艺术家论》的笔记-第186页

原文：客体！不少观众只看到客体，就以为看到了绘画。他认出一匹马、一个花瓶、一把小提琴、一只烟斗，但真正绘画的内涵却漏掉了。如果画家把客体话得不清楚，他就看看标题的提示。观众便很满足，而幻想沉浸在绘画里。
客体有时反而因此蒙蔽了精神。
这样，绘画和观众之间的桥梁反而变成了一道墙。

《艺术与艺术家论》的笔记-第113页

原文：只有背离精神的，才走进死巷。

《艺术与艺术家论》的笔记-第18页 - 关于形式的问题

原文：所以，如果图画里，线从它以表示东西的目的解放，本身就是客体，那么它内在的声音就不会被其它次要的角色给削弱，反而更具完整的内在力量。
我们因此得到一个结果：纯粹抽象也使用客体，它们显示自己物质的本质，如果纯粹写实一般。决然地否定物象和绝对地肯定是一样的。它们的目标也相同：内在的声音的化身。
因此我们看到，一个艺术家用的是抽象的或写实的，原则上没什么意义。
因为，内在上，两者一样。让艺术家自己决择。他自己最清楚，以哪种方式，可以将他艺术的内涵最明白地，以物质形式表之。抽象地说：基本上，根本没有所谓形式的问题。

《艺术与艺术家论》的笔记-第98页

艺术家正如其他人，借知识基础和思考能力，直觉地工作。
就这情形，艺术家和其他创作者没有分别。
他的工作以法则和目的为依据。

《艺术与艺术家论》的笔记-第70页

原文：由于过分强调直觉及艺术的“无目的性”，使得怡艺术家尤其是年轻的艺术家（如果只有“年轻”艺术家那还好！），得到一个笨拙货偏离艺术的结果。拿今天的“新即物主义”当例子就够了，他们试着把艺术当作“政治”目的——混乱到极点。年轻的艺术家，尤其是初学者，必须一开始就习惯于客观的、科学的思考。他应该了解，在所谓的“主义”之外，寻找自己的路。这些主义，照例都不是通往核心的努力，而是把很容易就成为过去的细节，视为基本问题。能客观地面对陌生的（别人的）作品，不排除自己作品里的极端性，这种能力当然是完全健康的；在自己的作品里，艺术家当然允许（必须）有这种极端性。客观在这里只会造成内在的迷惘。他对自己的作品，不但应该极端，而且狂热；要有成熟的狂热主义却要多年强烈内在的挣扎。
除了具备逻辑思考能力外，要深入到形成艺术的元素里，学生才能内在地感受艺术媒介。
简单地说，千万不能低估媒介由目的决定，因此，目的只有透过媒介才能破解。深入地内在地确定媒介，及媒介间有意或无意的沟通；丢掉那些对艺术陌生的目的，它们只会造成不自然和乖戾的结果，媒介因此才是真的为目的而存在。
研究不同艺术间的元素关系后，便会越强烈地感觉到和某个艺术元素的血缘关系，这是显然的。

《艺术与艺术家论》的笔记-第155页

＂非现实＂世界的梦，和现实世界一起形成这个世界。

《艺术与艺术家论》的笔记-第10页 - 关于形式的问题

：所以，可以下结论说，形式是否个人的、国家的、有风格的，是否符合潮流的，是否与其他形式相关或者孤立都不重要；重要的是这个形式的产生，是否基于内在的需要。

《艺术与艺术家论》的笔记-第48页

作品是内在、外在交融的结果，两者不可分割。它们是内容和形式。
而决定性的元素是内容。形式是抽象内容的物质表现。形式的选择，得依内在的需要而定，它是一书里唯一不变的法则。
以此产生的作品就是“美丽的”。所以，一个“美丽的”作品，必然是内外两个元素依法则地结合。这个结合，使作品统一。这件作品变成主体。

《艺术与艺术家论》的笔记-第29页 - 关于舞台构成

如果媒介是正确的，就会造成观者同一种心灵波动。

《艺术与艺术家论》的笔记-第140页

原文：这种人老犯相同的错误，以为自己忠于过去的精神，其实不是“精神”，而是“形式”。

《艺术与艺术家论》的笔记-第9页

不应该神化了形式，人们只要努力使形式能将内在的声音传达出来就够了。因此，不要在形式里寻找安逸。对每个艺术家而言，他的表达方式（形式）是最好的，因为它是他所想传达的内容之化身，

《艺术与艺术家论》的笔记-第9页 - 关于形式的问题

感想：艺术不需要刻意强调国家性，国家性和民族风格只不过是对形式自由的恐惧，或是方便艺评家分门别类。每个艺术家虽然受到他的生存环境的影响，其作品带有一定的国家的标记，但每个艺术家是独立的个体，有其特殊的由内而发的自由地表达形式。如果刻意强调国家性，一是抹杀了艺术家表达出来的个性，二是会遮蔽自己对这个艺术家最真实直接地认识。

《艺术与艺术家论》的笔记-第7页

大自然的法则是活生生的，它既静也动，就此而言，它和艺术的法则一样。

《艺术与艺术家论》的笔记-第70页

过分强调直觉及艺术的“无目的性”，使得艺术家尤其年轻的艺术家得到一个笨拙或偏离艺术的结果。

《艺术与艺术家论》的笔记-第162页

原文：抽象画脱离自然的“皮肤”，但不脱离它的法则。宇宙的法则。

《艺术与艺术家论》的笔记-第187页

原文：我曾对学生说：”尽你所能所要去想——这是美丽的习惯！但，就是不要在画架前想！“同样的，我也愿意把它送给这些寻找”价值标准“而徒然的人：”把耳朵转向音乐，把眼睛打开，去看绘画。不要去想。“

《艺术与艺术家论》的笔记-第112页

物象绘画的支持者，必须证明，物体在绘画里，正如色彩和形（某种定义下），是绘画不可或缺的。

《艺术与艺术家论》的笔记-第65页

原文任何时候大师级的东西不可或缺的是精确性。（我的批注：精确性由强大的感知力和控制力而来。）

《艺术与艺术家论》的笔记-第14页

原文：一方面，从抽象中去掉物象的各种支柱，观众觉得好像悬在半空中。人们说：“艺术失去了土地。”另一方面，从物象中抽掉各种理想化了的抽象（“艺术性的”元素），观众又觉得好像被钉死在地上。人们说：“艺术失去理想。”
这些指责来自缺乏成熟的感觉。把注意力集中在形式的惯性，和因之而老守着因袭的平衡形式，是阻碍自由感觉的力量。

《艺术与艺术家论》的笔记-第51页 - 纯粹的艺术

绘画从物像的走向构象的，开始了纯艺术阶段，不靠实际目的支撑，也不靠物体支持它的精神内涵，而以本质性的结构存在。

《艺术与艺术家论》的笔记-第83页

原文：的确，很多人对于理论倾向倍感怀疑，即使不说危险，也认为不是件事。不只是历史学家，艺术家本身也拒绝思考，反对“用脑”，因为他们害怕所谓的纯粹的“创造”会受到伤害，造成艺术的沦亡。另一方面，又有一些艺术家，相信理论探讨乃为必要，反而拒绝直觉的过程。 这意味着，现代思想这种不正常状态，破坏了直觉与思考这两个状态的平衡。

《艺术与艺术家论》的笔记-第129页

原则上，根本没有所谓形式问题。